被贊《拯救大兵瑞恩》之後最好的戰爭片，那它算是炫技嗎？
影院復工，你的第一張電影票給了誰？
有人把欠星爺的《大話西遊》的電影票給還上了；
有人是《星際穿越》中國內地8億多票房的一份子；
還有人看起了新的國產動畫電影《妙先生》。
而其中有部電影，不去影院看真的就虧了，它就是：
《1917》
從金球獎到好萊塢影評人協會獎、英國電影學院獎，幾乎在各大電影獎項中你都能看到它的身影。
影片剛公映沒多久，就得到第92屆奧斯卡10項提名，最終斬獲最佳視效、最佳攝影、最佳音響效果三項大獎。
“自《拯救大兵瑞恩》之後，最好的戰爭片。”
《紐約郵報》也給出了很高的評價：
“現代戰爭片的經典，2019年最好的電影之一。”
它到底有什麼魔力呢？
我們不妨來一窺究竟。
要知道，一戰主要分為西線、東線、南線三大戰線，其中以英、法對抗德國的西線戰況最為慘烈。
而影片主要聚焦的也正是英軍與德軍長期僵局後，兩個年輕的英國士兵布雷克和斯科·菲爾德成為信使，奉命去前線傳達阻止進攻興登堡的命令。
如果你問它最大的看點是什麼？
也許很多人會大聲地説——一鏡到底！
所謂的一鏡到底，實際上就是“攝影機不要停”，一次性將全片拍完而沒有剪輯。
而2013年包攬奧斯卡四項大獎號稱“一鏡到底”的《鳥人》，實際上也經過了剪輯。
對於《1917》來説，儘管全片也並非是真正的一鏡到底，但為了保持這種狀態，主創組可謂是費盡心思，許多網友甚至睜大了眼睛去摳出片中的剪輯點。
那就中斷拍攝，等到沒有陽光的時候再拍。
那攝影師也得化身“跑男”，先被吊起來，之後下了地又帶着器材坐上小車繼續拍。
是身臨其境的沉浸感。
從主演選擇喬治·麥凱和迪恩-查爾斯·查普曼兩位臉生的“90後”演員開始，影片就想讓最普通的大眾擁有代入感。
首先，影片中有很多讓人“疼”的情節。
在菲爾德扒開鐵網，卻被上面的刺狠狠紮了一下，還得用力拔出來，在看電影的我們也彷彿被紮了一下。
其實，在一戰落後的醫療條件下，傷口感染也莫得抗生素，只能截肢。
可以説，在那種狀況下，士兵受傷基本上等於一腳踏進了鬼門關。
而地下道突如其來的地雷爆炸也讓人揪心，被殘骸掩埋的喬治，坐起來吐了一口沙石，銀幕前的觀眾也像吃了一嘴的灰。
嘶——真疼啊。
“我要死了嗎？”
“……是。”
其次，影片也還原了塹壕戰的“苦”。
在武器和各種偵查技術還比較落後的一戰時期，對戰的雙方基本上是用人肉戰術去爭搶每分每毫的土地。
士兵常年在泥水中浸泡，整週整週地洗不了澡，上廁也所沒紙，與被屍體喂得碩大無比的老鼠日夜相伴。
尤其是之後逃出德軍魔爪的菲爾德，穿過激流與瀑布，爬過許多漂在水上的浮腫的死屍，回到岸上的菲爾德撲下來邊哭邊喘着粗氣。
噁心、委屈、堅持的複雜情緒交織，處於崩潰邊緣的他讓人心疼。
不管是主角累到在水裏睡着，還是開槍前的深呼吸來鼓起勇氣，影片的創造的代入感非常細膩。
當然，在一片讚譽之外，我們也能看到有一些不同的聲音，對影片的質疑主要集中在以下兩點：
第一，一鏡到底是炫技，劇情單薄經不起推敲。
第二，影片劇情寫實又寫意，風格沒能平衡好。
實話説，在提出這兩點質疑之前，這裏想重點劃出一句話——
《1917》拍的是一戰。
一戰又意味着什麼呢？
意味着非正邪戰爭的一戰，是個徹頭徹尾的悲劇，它的立意與劇情衝突並不好展現。
就拿《拯救大兵瑞恩》《血戰鋼鋸嶺》等頗受大家認可的戰爭片來説吧，它們的故事其實講的都是二戰。
比起有明確的反法西斯立場的對立，以及為了正義犧牲的精神還可以宣揚一波主旋律的二戰，一戰思想層面基本上都脱離不了反戰。
既然説到一戰電影，而這裏繞不開三部電影——
第一部，1930年劉易斯·邁爾斯通執導的《西線無戰事》。
在20世紀30年代的美國，堪稱最血腥電影的《西線無戰事》，對戰場的殘酷性和戰爭對士兵人性的扭曲的揭示是非常深刻的。
一羣涉世未深的“娃娃兵”夢想破滅，被戰爭折磨得不成人樣，甚至連死亡對他們來説都是解脱。
主人公爬出戰壕捕捉蝴蝶而被打死的一幕，載入影史。
此外，一部是德軍殺了法國兵，而另一部是英軍打了德國佬，兩部電影對戰立場不同，經歷的事件卻高度相似，無疑都在説明一戰的無意義。
作為不到30歲的庫布里克執導的一戰電影，片中將主要矛盾聚焦在了法軍內部。
法軍將領瞎指揮，卻讓3個無辜的小兵背鍋，視人命於草芥，深深地諷刺了一波官僚主義。
正如“卷福”飾演的軍官所説的：
“這只是暫時的，等到下週司令部就會發出不同的命令，在黎明時進攻。”
“只有一種方式結束這場戰爭，戰至最後一人。”
第三部，2018年彼得·傑克遜執導的《他們已不再變老》。
有什麼比看到真正的戰場更有説服力的呢？
影片根據一戰時珍貴的視頻、圖片素材，使用彩色修復技術，加上後期配音製作而成。
可以説，《1917》對許多戰爭場景、細節和士兵的狀態的還原度還是很良心的。
即使是在布雷克死後，菲爾德為沒有嚎啕大哭，回到車上上演的也是“人類悲觀並不相通”式的恍如隔世之感。
而與“佛系”主角相匹配的，是整部影片的高級“性冷淡”風。
水上漫天飛舞的櫻花，奔騰火焰中的十字架，森林中士兵們唱思鄉曲，油畫般的法國女人與女嬰，冷色調中簡單的暖色調，把戰爭片推到了新的美學高度。
結合上面提到的三部電影，其實我們能看到《1917》的內在精神一直有延續，而在此基礎上又憑藉“一鏡到底”的手法賦予它以遊戲感和性冷淡風，以呼應當下審美。
因此，從整個一戰系列影片來看，寫實又寫意的《1917》正像是兩個時代過渡間的產物，它對於整個一戰電影的創新是令人矚目的。
“人們無法意識到戰爭有多可怕。”
一鏡到底的《1917》帶給我們的不再是上帝視角、全知視角，不是一堂戰爭課，也不算主旋律，沒有那麼多憤世嫉俗，而讓我們化身為一個個v-logger，看了一場直播，玩過一把遊戲，注重對個人化、原子化的視界和情感的展現。
比起大而化之的為國家而戰，在影片的最後，“被動”執行任務的男主角菲爾德從滿不在乎的“佛系”，變為“主動”繼承兄弟遺志、拼盡全力將命令送到的信使，動機個人又具體。
“你阻止了這次，那麼下次呢？”
最後，坐在樹下看着妻女照片的菲爾德又陷入了一個循環，彷彿現在除了親情，已經沒有其他的精神嚮導，無疑與後現代的當下不謀而合。
從這個意義上來説，初看讓人驚豔，再刷值得細品的《1917》，即使有瑕疵，但它的開創性還是值得最熱烈的讚美。
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