音綜救不了華語樂壇

最近，歌手信（蘇見信，信樂團前主唱“信”）在《天賜的聲音3》裏關於翻唱與原創的言論在社交媒體上掀起了一場大討論。

信的原話是這麼説的：“所有的電視台都在做翻唱的歌，你要我們怎麼進步？唯一會進步的就是編曲，只有編曲在進步，只有唱功在進步，那我們的原創在哪裏？”

面對信拋出的詰問，台下的歌手和樂評人顯然有些意外或許期待，有的顧左右而言他，有的忙着打圓場。其中，周深的回應算是正面回答了信的問題，“原創是有門檻的，無論是寫或者聽，而一直在翻唱的意義是什麼我不知道，但是有新鮮感或是一個精彩的翻唱，會拉到很多人一起來聽更多的音樂。”最後，他落腳在音綜太難做了，歌手想要有舞台也太難了，格局一下子就出來了。

確實，近幾年在各大節目和媒體上關於華語樂壇退步的聲音此起彼伏，已經成為詐屍話題。且不論華語樂壇是否退步，即使是在退步，優質原創作品不足，該不該由音樂綜藝來背鍋？

信在節目裏關於翻唱綜藝的質問，其實反映了很多人的內心想法，畢竟從《超級女聲》《快樂男聲》到《我是歌手》《中國好聲音》，這麼多年來音綜的主流確實都以翻唱為主，而時至今日更是説是早已審美疲勞了。

但另一方面，信的説法也並不嚴謹。

其一，市面上並非都是翻唱類音綜。從早年的《中國好歌曲》《中國有嘻哈》到近兩年的《樂隊的夏天》《説唱新世代》等，口碑與收視俱佳的原唱類音綜並不少，只是由於各種原因，無奈都辦不長。再者，即使是翻唱類音綜，也並不排斥原創作品，往往還會助推原創音樂的發展。比如，趙雷的原創作品《成都》便是通過翻唱類音綜《歌手》而出圈。

其二，翻唱與原創也並不是對立關係。經典原創的身後往往跟着大量翻唱，不同版本的翻唱作品在二次創作中賦予原唱作品新的生命力，如鄧紫棋版的《喜歡你》便是對原作的一次經典演繹。同時，因為翻唱而帶火原創的案例並不少，2013年左立在《快樂男生》中翻唱《董小姐》讓宋東野和民謠走進了大眾視野；2015年趙大格在《中國好聲音4》中對《我在人民廣場吃炸雞》的改編也讓阿肆走進了大眾視野。

跳出綜藝本身來看，原創音樂發展本是產業生態問題，指望以娛樂大眾為目的的音綜去解決華語樂壇多年來的弊病，未免有些期待過高。對於節目製作方來説，無論是翻唱、原創還是選秀，他們追求的是節目的收視率及其帶來的高額廣告贊助，需要對廣告主和電視台負責。

一檔綜藝成功與否的衡量指標，主要就是看節目的大眾影響力和關注度，因此節目內容需要服務於綜藝中的故事性、衝突性、新鮮感，而不是音樂性，或者是否原創。

據媒體報道，《歌手》第一季到第三季的節目冠名商立白集團的冠名贊助費分別是1.5億、2.35億、3億，相應的年廣告費總額分別為2.5億、9.85億和10億。而到了第四季，冠名《歌手》節目的伊利冠名總金額為6億元，當年的廣告總額高達15億元。

在推動華語樂壇進步和動輒十幾億的綜藝生意麪前，你覺得節目製作方會選擇哪一邊？

就這點來看，《天賜的聲音》可謂是深諳其中玩法，從前幾季的丁太升到這一季的梁源，毒舌樂評人的靶子從未缺位。信的此番言論被剪輯出來，首要原因便是其場合與言論的戲劇衝突極具看點，而不是為了推動產業發展。

當然，不可否認，好的綜藝在用音樂講故事的同時，也也確實可以起到推廣音樂的作用。比如，《聲入人心》不僅走紅了阿雲嘎、鄭雲龍，更帶動了音樂劇熱；《中國有嘻哈》讓嘻哈這一小眾的音樂類型迅速在音樂市場走紅；《樂隊的夏天》掀起搖滾熱，讓年輕人走進了livehouse。

但要明確的是，這些都是音綜在商業成功之外的副產品，而非主要目的。這樣的雙贏可遇不可求，更無須苛責音綜擔負起這樣的歷史重任。

話説回來，別説解決華語樂壇的原創困境，音綜本身都有些自身難保了。

目前，音綜面臨的困境並不比原創音樂更樂觀。音綜一直都是網綜和台綜的大頭類型，但受多重因素影響，《歌手》《樂隊的夏天》等頭部音綜IP均在2021年停做，IP老化、審美疲勞等問題突出。

與此同時，雖然在嘉賓陣容更加強大，節目製作也越來越精心，但無論賽制如何變化，都逃不出模式化的導師、學員、組隊PK，數十年如一日的演繹讓觀眾日漸審美疲勞。

翻唱困難重重，原創也不好搞。

雖有原創度高、模式新穎的《樂隊的夏天》《中國有嘻哈》在市場上掀起一股全民觀看熱潮，但在消耗優質音樂存量後，節目很在再繼續開發。後續的音樂資源即便足夠製作一部中小體量的綜藝，卻很難在綜藝贊助商扎堆頭部的情況下拿到贊助。

尤其是近年來疫情影響下，品牌綜藝合作大幅度減少，節目方更是不敢輕易創新。“擊壤洞察”發佈的《2021綜藝招商白皮書》顯示，2021年有483個新廣告品牌進軍綜藝市場，但退出綜藝投放的品牌達到驚人的744家。這一情況也延續到了今年第一季度的綜藝節目上，各平台“招商項目數”給出的數據同樣讓人堪憂。

資本厭惡風險，各綜藝為了讓收視率更有保證，自然會傾向於選擇經過市場驗證、收益更有保障的傳統節目模式，其中找大咖唱接受度廣的金曲就是最穩妥的選擇。

在這樣的寒冬背景下，也難怪周深在節目中感嘆，“做音綜真的很難，太難了，就是它是一件非常難的事情”。

而華語樂壇的困境，究其原因更多是行業環境的急劇變化。

在此前文章《聽説華語樂壇又要完了？》中提到，從唱片業時代到數字音樂的產業轉型期，華語樂壇此前如唱片公司這樣的“把關人”角色已經缺失多年，失去了由行業各方達成的一套切實可行的篩選機制。而隨着音樂行業門檻的大大降低，各種層次不齊的音樂一股腦全部湧入市場，等待市場作出數據和算法上的定奪，專業層面的聲音由於失去了話語權，集體失語。

這也意味着，儘管市場上爆發出了所謂40萬原創音樂人，其作品質量必然是層次不齊的；加上下沉用户的審美教育卻沒跟上，導致各類備受詬病的流量神曲站在了風口，反過來裹挾了市場審美與創作標準。

在這樣的大環境下，音綜所呈現出的翻唱類綜藝比重高、存活期長的特徵，正是對優質原創音樂不足、流量主導市場審美這一現象的反映。

説一千道一萬，音綜只是一宣發渠道，別説推新造星，甚至引領主流審美都很難做到。

真正與原創音樂直接相關的是音樂人、唱片公司及音樂平台，他們對原創音樂的影響更大。聽眾的音樂審美、版税是否公開透明、音樂創作是否唯流量論……這些供給端與需求端的考量，對原創音樂的影響遠遠大於音綜。而音綜的作用，更像是原創作品的質量與市場需求積累到一定量之後的順水推舟。

信在節目中發出“那我們的原創在哪裏？”的疑問，除了寥寥幾個原創的音綜，原創音樂大多時候在朝不保夕卻誠意滿滿的livehouse，在各大音樂平台的歌單列表裏，在好作品對於聽眾的一擊即中，更在音樂人對於本心的尊重與堅守。

好的原創音樂常有，但卻不一定第一時間被大眾廣泛認知。我們能做的是，儘可能創造一個良好的音樂生態讓其自然生髮。