華晨宇是天生會用音樂表達情緒的歌手，他在舞台上忘我投入，強烈的肢體語言，聲情並茂的演唱方式，令他成為舞台上的發光體。他的聲音表現極富張力，整個身體的語言與唱歌的力量都配合得天衣無縫，大聲小聲的力度也有它的層次感。華晨宇能駕馭不同的演唱風格，即使同一首歌，每次演唱也能給大家帶來不一樣的感覺。在不久前他也説過：“我唱的每一首歌，都是華晨宇”。
那麼，這樣的音樂鬼才華晨宇有着怎麼樣的經歷，以及音樂道路呢？下面一起來深度分析這位“我唱的每一首歌，都是華晨宇”的音樂鬼才吧！
到後來一段時間裏，在綜藝節目中《花兒與少年》，不善於溝通的華晨宇被稱為“巨嬰”，一時間網上批判聲音不斷。二十歲出頭的年輕人，在娛樂圈中或者張狂或者乖巧，都正常得很。卻總是會被貼上一個標籤，或壞或好。
華晨宇被貼上的標籤：“巨嬰”、“怪異”、“孤獨”。怪和不討喜一度成為了華晨宇的代名詞，我也一度這樣認為。
直到某一天，認真的聽完了華晨宇的一首歌才覺得，一個年輕人怪一點，又有什麼錯。
不討好這個世界，才是他音樂最大的特點。
華晨宇性格、音樂、人生態度——就是一個藝術品。
“蒼老的小孩”是作詞人林夕在看了華晨宇的採訪和演唱後有感而發，專門為他量身定做寫的詞。 大部分人都認為“小孩”是指華晨宇待人接物所表現出的笨拙和生澀，“蒼老”是指華晨宇的內心世界的成熟和通透。
華晨宇出生在一個富裕的家庭，但卻有着孤獨悲慘的童年。他在兩三歲的時候母親就離開了他，半年只能見一次面，當時父親在創業， 常年把他丟給保姆/傭人，很小的孩子只能晚上自己一個人睡。
華晨宇的成長中只有“我”。他有足夠的時間空間去自己摸索 （可能也沒辦法，只能自己摸索），早早地便完成了對自我的思考，又以自我意識為基礎，建立起了對人生的認知和與外界的對接，這樣的認知一旦形成了，便很穩固，不易搖擺。
另外，我有一些猜測，我認為在華晨宇的成長中， 道家思想和西方文化對他有着很大的影響。
執念放下，萬般自在
“所有正常人覺得重要的事，都不重要”； “沒有什麼東西是你必須要拿起來，永遠都放不下的”；
道法自然，無為而為
“既然改變不了環境，就改變自己的心態”； “我瞭解了遊戲規則，我才知道如何不在這個遊戲裏”
順其自然，無慾無求
“我沒有夢想”； “我不追求快樂，只追求沒煩惱”； “你給我一千萬我就過一千萬的生活，給我一百塊就過一百塊的生活”；
二是西方文化。華晨宇説他自己是聽着西方的音樂長大的。“搖滾的精神是自由”，“我的才華是自由”。那些西方古典音樂，夢幻搖滾，Stadium Rock, 歌劇，北歐民謠等在他的音樂中隨處可見。 他的demo 也常常是以英文發音為基礎的吟唱。“自由，平等，博愛”，這些西方文化的精髓，和華晨宇的核心理念又是非常的統一。 音樂和文化向來都是一體的，想必在華晨宇成長的那關鍵幾年， 大量接觸西方音樂，對他的三觀的形成也有着不可低估的影響。BTW, 聽華晨宇的歌時候，我常常覺得歌中的那幾句英文用得恰到好處，是畫龍點睛的部分。
音樂是什麼？音樂是人們抒發情感，表達情感，寄託情感的藝術。它是人們精神層面的產物。
表達自己的內心，抒發自己的感情，一直是華晨宇明明白白地告知天下的音樂理念。“我的音樂是我自己”；“當我把我內心的東西可以通過音樂表達出來的時候，我才愛上它。這是我的初衷，到現在都沒有變過”。在和李泉討論時，他也説，情感大於技巧，音樂技巧是為表達自己的內心和感情服務的。無數的專業/非專業人士對華晨宇的音樂做評價時，都繞不開他音樂中的濃烈的“內在和情感”。
比如一下小編要分析的幾首歌曲。
《無聊人》
華晨宇本格説唱。這是27歲的#華晨宇#寫給自己的生活進階Flow！當無聊的人唱着無聊的音樂，他重返寫實毫不手軟批判戲謔。拋去愣頭青一樣狠毒的態度，赤裸裸的叫囂式填詞，多重音色和音域跨度的變化，把生活原本的灰色情緒發泄得淋漓盡致。
“隨着年齡的增加，很多人在生活成長的壓力下，看透了諸多力不從心，任性的現實，適者生存與虛偽和逢迎，會有對什麼事都提不起勁的感覺，寫這首歌，就是想偶爾也試試看旁若無人會怎樣。”這是27歲的華晨宇寫給自己的生活進階Flow。《無聊人》把生活原本的灰色情緒發泄得淋漓盡致。
“多少人能看懂人心的空鏡，只不過活着只活出了年齡”，“當真的傻子樂此不疲在消耗着熱情，裝傻的戲子你可賺到了吐沫飛濺的緩刑，怕被拆穿還沒被拆穿本就是你要的刺激”，歌詞活生生剖開你早已心知肚明卻迴避提及的真相，以冷眼旁觀生活的視角批判荒謬虛偽的“成人世界”。
如果説前面是在説一個人存在的狀態和對這個世界的認知，那麼後面就直接講述了一種態度。“如果真話，攪局假話不如閉嘴來的清淨”我很喜歡這句話，我在聽的時候，是沒有直接從歌詞中理解意思，當時我是隻明白瞭如果是假話，是客套話，那就不要説了，恭維我的也好，諷刺我的也好，我都不想聽。那麼是真的，那麼就沒有。
在我看來，這首歌不在諷刺什麼，不在講述什麼，只是想要一個真實，一個真正的世界與自我。
再比如今年《歌手》裏他唱的《鬥牛》
回到歌曲本身，低沉rap描繪鬥牛士進場，身上載滿榮耀，享受各位看眾目光洗禮。牛欄打開，公牛步入競技場，鬥牛士鑲滿金穗的服飾冷光閃耀，戰爭一觸即發。
隨後美聲高音緩緩而起，充滿悲憫與救贖。華晨宇接入副歌，進行曲式的鼓點打底，接着和聲加入大合唱，將歌曲情緒升至最高點，最後華晨宇開始rap，美聲唱腔與通俗rap同時進行，整個情緒全面爆發。
而華晨宇説《鬥牛》是一首大愛的歌，大愛是什麼？20世紀法國戲劇家阿爾託提出過一個“殘酷戲劇”的理論，按照阿爾託的理論，戲劇應該是有力量影響事物的形成和發展變化的。它應該表現兩種感情、兩種生活和兩種精神力量之間的衝突。
從這個理論上看，在鬥牛這項運動中，鬥牛士的勇猛是殘酷的，公牛的野性是殘酷的，鬥牛本身是殘酷的。《鬥牛》將所有殘酷用音樂赤裸裸的展示出來，希望引起人們反思，能夠去包容身邊所有事物，包括敵人。
《爸，我回來了》這首歌的作者周杰倫，另一位與眾不同的音樂天才，很難想象華晨宇會將他變成“哈姆雷特”。
副歌部分完全不帶任何音樂節奏，一把鋼琴一個人把每一句歌詞都“説”入人心。
我們在歌曲之中聽到恰當好處的獨白的時候，那種獨特的真實感，生活化的氣息必定以完全不同於歌唱的方式侵入我們的內心。
同樣的主題，同樣的歌詞，同樣的副歌旋律，完全不同風格的演繹，最後都直入人心。一場完美的再創造。
奇怪，確實是，説和唱比起來，説往往更讓人覺得真實。
也正這歌曲反映了當時孤獨的華晨宇，他在兩三歲的時候母親就離開了他，半年只能見一次面，當時父親在創業， 常年把他丟給保姆/傭人，很小的孩子只能晚上自己一個人睡。
華晨宇的歌有一種與普通華語流行樂不同的特質——層次感。層層遞進，鋪墊，爆發，昇華。
這樣的編曲很有感染力，很震撼，激得人頭皮發麻。
《阿里山的姑娘》是以高山族歌的曲勢譜寫的歌曲，大家耳熟能詳的中國民歌。
初聽這首《阿里山的姑娘》我隱約有一種違和感——把一首台灣土著風格的歌曲改編成搖滾、饒舌是不是不太妥當？
循環幾次後徹底愛上了這首經典老歌輕柔的吟唱，仿若戀人間的低吟耳語；搖滾韻味十足的嘶吼與節奏感極強的rap，似乎是在向所有人訴説故事裏濃烈熾熱的情感。
喜歡華晨宇的音樂，最大的理由就在於他敢於嘗試，也有能力實踐。
雨果曾把音符，數字和字母稱為人類智慧的三把鑰匙，稱音樂可以啓迪心靈，感化人心。百度上也説“我們通過聽音樂，引發聯想，共鳴，使消極情感得以發泄，精神愉快，並潛移默化地接受某種道德情操，意識觀念的滲透”。
我們這代人大多都是獨生子女，成長在一大堆家人親友朋友的包圍之中，我們的很多價值觀，人生觀和世界觀以及處世之道都是“別人”告訴我們的，還美其名曰“讓你少走彎路”。
於是華晨宇橫空出世，他在舞台上肆意搖曳：“管你什麼想法，我是我自己的表達，管你什麼看法，我的世界我來浮誇”，“就算被這個世界冷眼，被人們所敵對，也無所謂，那就請你當我是個異類”，“我喜歡我”，“我就是我”。從來沒有任何人這麼肆無忌憚地展示着“自我”，也從來沒有任何人這麼淋漓盡致地標榜着“自由”。原來人還可以這麼活着。
此時此刻也讓我想起鳥巢演唱會安利的那一幕，“咚咚咚，華晨宇！咚咚咚，華晨宇！咚咚咚，華晨宇！” 足足四分多鐘，九萬人齊聲地在叫一個名字，震天動地，撼動人心。我想，在那一刻，華晨宇在我們心中，已經不僅僅是一個歌手和音樂人了。
他是一種信仰！
每一次的作品，每一次的演唱，都能富裕一首歌新的生命。
也許，只有華晨宇自己才能超越華晨宇
“我唱的每一首歌，都是華晨宇”